Storytelling | سرد قصصي

"When you think of the visual style, when you think of the visual language of a film there tends to be a natural separation of the visual style and the narrative elements, but with the great, whether it is Stanley Kubrick, Terrence Malick or Hitchcock what you’re seeing is inseparable, a vital relationship between the images and the story he’s telling. " — Christopher Nolan

"عندما تفكر في النمط المرئي ، عندما تفكر في اللغة المرئية لفيلم, يميل إلى أن يكون هناك فصل طبيعي بين النمط المرئي والعناصر السردية ، ولكن مع العظيم ، سواء كان ستانلي كوبريك أو تيرينس ماليك أو هيتشكوك ما تراه لا ينفصل ، علاقة حيوية بين الصور والقصة التي يرويها."— كريستوفر نولان

The exact description of visual/cinematic storytelling is hard to pin down succinctly as there are various schools of thought regarding the matter. All the same, The International Film School of Paris (EICAR) had defined it frankly as “Communicating visually in forms that can be read or looked upon. In cinema a story is most visual when ideas and emotions are expressed through performance and aesthetics as opposed to dialogue.”

Looking at things from a different perspective, Storytelling can be the magical moment between "I saw this once." and "I LOVED this!" It is the everlasting conversation between any two people about a certain film/video once seen. It can last forever in the hearts of those who seen it, or could just easily fade away with time.

Storytelling is at the heart of any good film. Special effects, setting, stars – unless there is a good story to be told – are meaningless. Generally, stories follow a similar structure. In very basic terms, this could be described in three parts:

  • Start: characters, setting and genre established

  • Middle: problems are encountered

  • End: the problems are solved and equilibrium is resolved.

Storytellers can create their own spin on this structure by mixing up the characters, settings and genres, and even by putting the end at the start and the middle at the end. When telling stories, audience is the most important consideration, and new audiences expect to be surprised and intrigued, so storytellers work hard to keep them interested with quirky twists and unexpected outcomes.

Key questions to ask about a film’s/Video's story structure:

  • How does the film/video fit into the basic structure outlined above?

  • Why do you think it is structured in the way it is?

  • How could it be structured differently and what effect would this have on the development of the story?

Storytellers need a language through which they can articulate their story. Traditionally, they used the spoken word or song. At the end of the 19th century, the Kinetographic camera (the movie camera) was invented as a tool that could be used to tell stories through moving images. The earliest films tended to lack a story structure, instead just capturing movement, but as the medium became more popular filmmakers developed a ‘film language’.

  • Shot Types

  • Camera Movement

  • Mise en scène (what is included in the frame and why)

  • Lighting

  • Sound

  • Editing

And other set of languages (elements) every great film/video should consider. Let's discuss some of those points and provide a little bit of information on how to utilize those elements at best.


Space in film refers to the spatial dynamics inherent in the frame of a film. One would say that a film frame is akin to a static snapshot thus part of a moving picture. Like a painting, the static image of the frame presents inherent storytelling opportunities. Because a movie is a motion picture, the composition of the frame continuously changes. This added characteristics affords two important story elements – that of screen direction and comparison. Screen direction can suggest antagonism, individualism, and conflict, for example. A moving frame might be used to represent change, similarity or it’s opposite, stasis.

Framing a Composition

The eye responds differently to various visual stimuli. Among the most important elements that have been discerned are: brightness, colour, size, shape, motion, speed, and direction. Through careful manipulations these elements can be used to guide the audience’s attention and emotional response. As always, content, juxtaposition with bordering frames, and the intersection of other elements will contribute to the viewer’s response.


Depending on use and context, shapes can be used to suggest ideas and emotions. Traditionally there are three fundamental shapes: the circle, the square and the triangle. Out of these three, many forms can be derived out of them: the half circle, the rectangle, and many others. For each shapes there are certain traditional association made of them. Rounded Shapes are associated with indirectness, passive, romantic, pertaining to nature, soft organic, childlike, safe and flexible. Squares however are direct, industrial, ordered, linear, unnatural, adult, and rigidness. Triangles are for aggressiveness and dynamics.


Editing is a way of constricting time and space or producing the outcome of a dream sequence or flashback. The results of editing are more often than not seamless and natural that the audiences tend not to be aware of it. In theory, editing is the constriction of scenes through assembly of shots. Different choices of editing could guide the audience’s emotional response.


A film is a dramatic representation of life. It is made up of scenes ordered to represent the passage of film time through the assembly of edited shots. Film time is rarely paced the same as real life. With the exception of mise-en-scene, most edited sequences manipulate real time. From one cut to another, an opportunity of altering experiences of real time can be made. The reason filmmakers alter time is because they are creating a dramatic story. Only those moments that contribute to its advancement are included, all else is left out.

Sound and Music

Outside of the musical score, movies rely on three kinds of sound to tell their stories: Dialogues, voiceover and sound effects. While voiceover and dialog are well understood to be writer’s tools, few screenwriters approach sound effects with the same certainty. Yet sound effects are as much the purview of the writer as are visual metaphor, sound effects can also suggest an extended aural metaphor. They can add layers of meaning to a film that are hard to achieve in other ways. Sound effects can be obvious or subtle. They can intentionally draw attention, or manipulate with stealth. They can expose, disguise, suggest establish or reveal. They can also be associated to specific events or characters.

Lyrics of music can act as the voice of a character. They can reveal the inner thoughts in a way that can be more interesting than a simple dialogue scene. Lyrics can also act as the voice of the narrator. They add another delivery system with which to parcel out character and thematic information. In other times, music is symbolically used as a story element.


The movement between the end of one scene and the beginning of another is called a transition. Each transition presents an opportunity to convey story information by virtue of how the scenes are cut together. The scene can simply be cut with no intentional reference or constructed to add a story element. A matching transition is one way to exploit this opportunity and can be achieved in an infinite number of ways.

Lenses, Positions and Motions of the Camera

The camera presents a scene – subjects, actions, settings – in a series of shots that render images on a screen. Instead of just placing the camera where an audience can watch the action, the camera is able to provide the audience with engaging visual experiences. Variety is important for if a scene is simply rendered by a continue series of wide shots, the eye will soon tires of repetitions. A good shot will usually contain a variety of camera framings, and angles. For example by exploiting the depth of field of the lenses, each character on scene can inhabit their own horizontal plan. In this way characters can be staged in-depth. This allows the audience to see each character reacting to one event simultaneously and in real time. Different positions also play a part. The closer the camera is to a character, the more likely audiences will sympathise with the character.

Lighting and Colours

Film interprets subjects and scenes as images of light and shade. Lighting is one of the few aspects in film that has the ability to create a certain reality to the audience. There are a number of different styles of lighting, each designated as a style geared to the theme and mood, as well as its genre. Lightings can also be used to weaken subject matter. Colour on the other hand tends to be a subconscious element in film. It’s strongly emotional in its appeal, expressive atmospheric. In short, colour helps to suggest moods.

من الصعب تحديد الوصف الدقيق لسرد القصص المرئي / السينمائي بإيجاز حيث توجد مدارس فكرية مختلفة فيما يتعلق بالمسألة. على الرغم من ذلك ، فقد عرّفتها المدرسة الدولية للأفلام في باريس (EICAR) بصراحة على أنها "التواصل البصري في أشكال يمكن قراءتها أو النظر إليها. في السينما ، تكون القصة أكثر وضوحًا عندما يتم التعبير عن الأفكار والعواطف من خلال الأداء والجمال بدلاً من الحوار ".

بالنظر إلى الأشياء من منظور مختلف ، يمكن أن تكون رواية القصص هي اللحظة السحرية بين "رأيت هذا مرة واحدة." و "لقد أحببت هذا!" إنها محادثة أبدية بين أي شخصين حول فيلم / فيديو معين شوهد مرة واحدة. يمكن أن تستمر إلى الأبد في قلوب أولئك الذين رأوها ، أو يمكن أن تتلاشى بسهولة مع مرور الوقت.

رواية القصص هي في صميم أي فيلم جيد. إن المؤثرات الخاصة والإعداد والنجوم - ما لم يكن هناك قصة جيدة يمكن روايتها - لا معنى لها. بشكل عام ، تتبع القصص بنية مماثلة. يمكن وصف هذا بعبارات أساسية للغاية في ثلاثة أجزاء:

  • البداية: تم إنشاء الشخصيات والإعداد والنوع

  • الأوسط: تمت مواجهة المشكلات

  • النهاية: تحل المشاكل ويحل التوازن.

يمكن لرواة القصص إنشاء دوران خاص بهم على هذا الهيكل عن طريق خلط الشخصيات والإعدادات والأنواع ، وحتى بوضع النهاية في البداية والوسط في النهاية. عند سرد القصص ، يكون الجمهور هو أهم الاعتبارات ، ويتوقع الجمهور الجديد أن يفاجأ ويثير الاهتمام ، لذلك يعمل رواة القصص بجد لإبقائهم مهتمين بالتقلبات الغريبة والنتائج غير المتوقعة.

الأسئلة الرئيسية التي يجب طرحها حول بنية قصة الفيلم / الفيديو:

  • كيف يتناسب الفيلم / الفيديو مع الهيكل الأساسي المبين أعلاه؟

  • لماذا تعتقد أنها منظمة على النحو الذي هي عليه؟

  • كيف يمكن تنظيمها بشكل مختلف وما تأثير ذلك على تطور القصة؟

يحتاج رواة القصص إلى لغة يمكنهم من خلالها التعبير عن قصتهم. تقليديا ، استخدموا الكلمة المنطوقة أو الأغنية. في نهاية القرن التاسع عشر ، تم اختراع الكاميرا الحركية (كاميرا الفيلم) كأداة يمكن استخدامها لسرد القصص من خلال الصور المتحركة. تميل الأفلام الأولى إلى عدم وجود هيكل للقصة ، بدلاً من مجرد التقاط الحركة ، ولكن مع تحول الوسط إلى صانعي أفلام أكثر شهرة طوروا "لغة فيلم".

  • أنواع اللقطات

  • حركة الكاميرا

  • ما هو مدرج في الإطار ولماذا

  • إضاءة

  • صوت

  • التحرير

ومجموعة أخرى من اللغات (العناصر) يجب أن يراعي كل فيلم / فيديو رائع.

دعنا نناقش بعض هذه النقاط ونقدم القليل من المعلومات حول كيفية استخدام هذه العناصر في أحسن الأحوال.


يشير الفضاء في الفيلم إلى الديناميكيات المكانية المتأصلة في إطار الفيلم. يمكن للمرء أن يقول أن إطار الفيلم يشبه لقطة ثابتة وبالتالي جزء من صورة متحركة. مثل اللوحة ، تقدم الصورة الثابتة للإطار فرص سرد القصص المتأصلة. لأن الفيلم عبارة عن صورة متحركة ، يتغير تكوين الإطار باستمرار. توفر هذه الخصائص المضافة عنصرين مهمين للقصة - اتجاه الشاشة والمقارنة. يمكن أن يشير اتجاه الشاشة إلى العداء والفردية والصراع ، على سبيل المثال. يمكن استخدام إطار متحرك لتمثيل التغيير أو التشابه أو العكس ، الركود


تستجيب العين بشكل مختلف للمنبهات البصرية المختلفة. من أهم العناصر التي تم تمييزها: السطوع واللون والحجم والشكل والحركة والسرعة والاتجاه. من خلال التلاعب الدقيق ، يمكن استخدام هذه العناصر لتوجيه انتباه الجمهور والاستجابة العاطفية. كما هو الحال دائمًا ، سيساهم المحتوى والتجاور مع الإطارات المتداخلة وتقاطع العناصر الأخرى في استجابة المشاهد


اعتمادًا على الاستخدام والسياق ، يمكن استخدام الأشكال لاقتراح الأفكار والعواطف. تقليديا هناك ثلاثة أشكال أساسية: الدائرة والمربع والمثلث. من بين هذه الثلاثة ، يمكن اشتقاق العديد من الأشكال منها: نصف الدائرة ، المستطيل ، والعديد من الأشكال الأخرى. لكل شكل هناك ارتباط تقليدي معين مصنوع منها. ترتبط الأشكال المستديرة بالغلوكية ، السلبية ، الرومانسية ، المتعلقة بالطبيعة ، العضوية الناعمة ، الطفولية ، الآمنة والمرنة. ومع ذلك ، فإن المربعات مباشرة وصناعية ومرتبة وخطية وغير طبيعية وكبارًا وصلابة. المثلثات للعدوانية والديناميكيات.


التحرير هو طريقة لتضييق الزمان والمكان أو إنتاج نتيجة تسلسل الأحلام أو الفلاش باك. غالبًا ما تكون نتائج التحرير سلسة وطبيعية بحيث لا يميل الجمهور إلى إدراكها. من الناحية النظرية ، التحرير هو انقباض المشاهد من خلال تجميع اللقطات. يمكن أن توجه اختيارات التحرير المختلفة الاستجابة العاطفية للجمهور


الفيلم هو تمثيل درامي للحياة. وهي تتكون من مشاهد أمرت بتمثيل مرور وقت الفيلم من خلال تجميع اللقطات المحررة. نادرًا ما يتم تسريع وقت الفيلم مثل الحياة الواقعية. فإن معظم التسلسلات المحررة تتلاعب في الوقت الحقيقي. من قطعة إلى أخرى ، يمكن إجراء فرصة لتغيير التجارب في الوقت الحقيقي. السبب الذي يجعل صانعي الأفلام يغيرون الوقت هو أنهم يخلقون قصة درامية. يتم تضمين تلك اللحظات التي تساهم في تقدمه فقط ، ويتم استبعاد كل شيء آخر

الصوت والموسيقى

خارج النتيجة الموسيقية ، تعتمد الأفلام على ثلاثة أنواع من الصوت لإخبار قصصهم: الحوارات والتعليق الصوتي والمؤثرات الصوتية. في حين أن التعليق الصوتي والحوار يُفهمان جيدًا على أنهما أدوات للكاتب ، فإن بعض كتاب السيناريو يقتربون من المؤثرات الصوتية بنفس اليقين. ومع ذلك ، فإن المؤثرات الصوتية هي من اختصاص الكاتب مثل الاستعارة البصرية ، كما يمكن للتأثيرات الصوتية أن تقترح الاستعارة السمعية الممتدة. يمكنهم إضافة طبقات من المعنى لفيلم يصعب تحقيقه بطرق أخرى. يمكن أن تكون المؤثرات الصوتية واضحة أو خفية. يمكنهم جذب الانتباه عن قصد أو التلاعب بالخلسة. يمكنهم فضح أو تمويه أو اقتراح إنشاء أو كشف. يمكن أن ترتبط أيضًا بأحداث أو شخصيات معينة.

يمكن أن تكون كلمات الموسيقى بمثابة صوت شخصية. يمكنهم الكشف عن الأفكار الداخلية بطريقة يمكن أن تكون أكثر إثارة للاهتمام من مشهد حوار بسيط. يمكن أن تكون الأغاني أيضًا بمثابة صوت الراوي. يضيفون نظامًا آخر للتوصيل يتم من خلاله توزيع الأحرف والمعلومات المواضيعية. في أوقات أخرى ، يتم استخدام الموسيقى بشكل رمزي كعنصر قصة


تسمى الحركة بين نهاية مشهد وبداية مشهد آخر بالانتقال. يقدم كل انتقال فرصة لنقل معلومات القصة من خلال كيفية قطع المشاهد معًا. يمكن ببساطة قطع المشهد بدون مرجع مقصود أو بناء لإضافة عنصر قصة. إن الانتقال المطابق هو إحدى الطرق لاستغلال هذه الفرصة ويمكن تحقيقه بعدد لا نهائي من الطرق

عدسات ومواضع وحركات الكاميرا

تقدم الكاميرا مشهدًا - الأهداف والتصرفات والإعدادات - في سلسلة من اللقطات التي تعرض الصور على الشاشة. بدلاً من مجرد وضع الكاميرا حيث يمكن للجمهور مشاهدة الحركة ، فإن الكاميرا قادرة على تزويد الجمهور بتجارب بصرية جذابة. التنوع مهم لأنه إذا تم تقديم المشهد ببساطة من خلال سلسلة مستمرة من اللقطات الواسعة ، فإن العين ستتعب قريباً من التكرار. عادةً ما تحتوي اللقطة الجيدة على مجموعة متنوعة من إطارات الكاميرا والزوايا. على سبيل المثال من خلال استغلال عمق مجال العدسات ، يمكن لكل شخصية في المشهد أن تسكن خطتها الأفقية. بهذه الطريقة يمكن تنظيم الشخصيات بشكل متعمق. هذا يسمح للجمهور برؤية كل شخصية تتفاعل مع حدث واحد في وقت واحد وفي الوقت الحقيقي. تلعب المواقف المختلفة أيضًا دورًا. كلما اقتربت الكاميرا من شخصية ما ، زادت احتمالية تعاطف الجمهور مع الشخصية

الإضاءة والألوان

يفسر الفيلم الموضوعات والمشاهد على أنها صور للضوء والظل. الإضاءة هي واحدة من الجوانب القليلة في الفيلم التي لديها القدرة على خلق واقع معين للجمهور. هناك عدد من أنماط الإضاءة المختلفة ، كل منها مصمم كنمط موجه للموضوع والمزاج ، بالإضافة إلى نوعه. يمكن استخدام الإنارات أيضًا لإضعاف الموضوع. يميل اللون من ناحية أخرى إلى أن يكون عنصر اللاوعي في الفيلم. إنها عاطفية بقوة في جاذبيتها ، معبرة في الغلاف الجوي. باختصار ، يساعد اللون على اقتراح أمزجة






28 views0 comments

Recent Posts

See All